作者自身の頭の整理のためのメモです。その時々の思いを綴っていきますので、過去記事と内容の重なりがあるかも知れません。(リンク・フリーです。) Photos in the articles: Courtesy of Tarisio Auctions
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楽器メーカーの序列について

四方山話的にバイオリンの話を人にすると、古くなると値段が上がるらしいね、とか、古いものほど良いのか、といった質問が返ってくることがよくあります。これらは、ある種の「常識」として行き渡っているようで、僕も人前でバイオリンを弾いて、質問コーナーなどをやると、大抵は、古さや値段に関する質問が出てきます。

さて、古い方が高いのか、古いものの方が良いのか、ということを考えるに当たっては、楽器メーカーの序列ということを考えてみる必要がありますね。というのも、古さだけが値段を決めていると考えられている(あるいは、値段を決めているファクターとして、古さのほかには音色くらいが思い浮かばない。)状況が一般にあると思うからです。

そもそも、どのような楽器が楽器として素晴らしいのか、ということですね。答は意外にシンプルで、①発音体として理に適っていて、②ルックスが美しい、という2点に尽きるのだと思います。これ以外の要素は、付加的に価値を加えるか減らすかであり、例えば、保存状態とか、有名な演奏家が使っていたとか、オリジナル性が損なわれているとか、そういったことは付加的なことですね。

では、①と②は関係がないのかと言えば、②をクリアするものは①もクリアする場合が多いと言われます。これは、何をもって美しいとするか、といった論点とも絡むのですが、楽器メーカーとしての序列は、そのメーカーの典型的な作品のもつ構造や姿の美しさをもとに、過去100~200年の歴史の中で、出来上がってきているのだと思います。

ただし、現在もてはやされているストラドやデルジェスが作られた頃、実は、ドイツのJacob Stainerの楽器の方が高く評価されていたと言われます。その証拠に、この2大巨匠が活躍した18世紀前半より後の時代、つまり18世紀後半にも、Stainerのパターンをモデルにして製作したメーカーがそれなりの数、いますね。フィレンツェのT.Carcassiもそうですし、イギリスではD.Parkerなどもそうですね。その一方で、例えば、オランダのH.JacobsはN.Amatiの影響を受けていると言われますし、より後の時代のJ.T.CuypersはA.Stradivariの影響を受けていると言われます。

そう考えると、楽器メーカーの序列は時代によって変わってきたという面もあると思うのですが、19世紀以降は、演奏効果という面でストラドやデルジェスが認められて、現在に至っているということなのでしょう。

今回は、いささかオタク的な話になりましたが、長い歴史を持つ楽器であるだけに、時代の流れの中で変わらなかった部分、変化を遂げた部分の両方があるということですね。こういうことを探求することは、それ自体結構楽しいものですね。

<本日の楽器> M. Gadda 1982
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by violink | 2006-10-18 22:05 | Instruments

楽器屋を選ぶということ

バイオリンという楽器は、様々な価値の考え方があります。その中には、価格に反映するものもしないものもありますね。主な価値の考え方としては、作者、年代、出来、保存状態、オリジナルの度合い、ヒストリー、音色、サイズでしょうか。これらの価値の中には、良し悪しの判断が主観的になりやすいもの、良し悪しの問題ではないものが含まれています。

そして、これらの価値は、万人にとっての価値ではなく、例えば、演奏家とコレクターとでは重視するポイント(=その人にとっての価値)は、往々にして異なるものですね。演奏家とコレクターの違いほどではないにしても、例えば、ソリストとオケマンとでは、楽器に求めるスペック(この場合は、演奏効果という面が大きいでしょうが)が大きく違っていると言えるでしょう。

このように、楽器を欲する人たちが楽器に見出す価値は、多種多様だと言えます。人によっては、別の楽器屋で買うよりも安価で入手できる、ということも一つの「価値」と言えるかも知れません。(大変リスキーではありますが。) このため、楽器屋さんにしてみれば、万人を満足させる楽器を仕入れようとしても、それは至難の業と言えそうですね。

そういうわけで、楽器屋さんは、自分のお店の楽器を売るお客さんのイメージを明確に持っているのが普通だと思います。そして、自分がそのお店が楽器を売るターゲットの範疇に入っているのかは、楽器屋さんとのマッチングという意味で、とても大切なポイントだと思います。

それぞれの楽器屋さんについてコメントすることは、敢えて避けますが、僕自身が訪れたことのある楽器屋さんも、その点はまちまちであり、楽器屋さんのポリシーなり思想なりを反映していると思いますね。
by violink | 2006-10-17 18:46 | Instruments

楽器を選ぶためのクライテリアについて(続編)

バイオリンや弓を購入するときには、まず予算という話になりますよね。それで、予算の範囲で楽器屋さんで示されたいくつかの候補から選ぶ、その中に気に入ったモノがなければ、また出直してくるとか、別の楽器屋さんに行ってみる。悩んでから、または、悩む前に知人に話し、相談に乗ってもらい、ときには楽器屋さんにも同行してもらって、弾き比べを手伝ってもらう。。。などなど、いろいろなことがありますね。

しかし、最終段階でどの楽器を購入するかを、何を頼りにして判断しているでしょうか。楽器屋さんのお勧めでしょうか。友人のコメントでしょうか。それは、時々によるでしょうし、場合によっては、ホールを借りて試奏してみて音の通りをみる、ということもあるでしょう。

いずれにせよ、最低限必要なことは、自分が楽器を選ぶときのクライテリアが明確になっていて、そのクライテリアに基づいて適切なものを選ぶということだと思います。決して安価なものではないので、購入した後で後悔することがないよう、この点はしっかりと押さえておく必要があるでしょう。

しかし、そのクライテリアを明確にする作業は、実際に楽器を探し始めてからでは、難しいと思います。というのも、そもそも、きちんとした楽器屋さんは、自分自身が、仕入れる楽器のクライテリアを持っていて、このクライテリアに合致する楽器を仕入れているからです。そこで、どこの楽器屋さんに出かけていくか、というところから、楽器選びは始まっているのですね。

もちろん、楽器屋さんの見識を信頼して、その楽器屋さんが勧めてくれる楽器の中から選ぶ、ということもアリでしょうし、場合によっては、選択肢がなく、1本だけ提示されてそれを買うかどうかの決断をするということもあるでしょう。より高価な楽器を購入するケースでは、後者の形のことが圧倒的に多くなると思います。

まあ、いずれにせよ、楽器屋さん選びからスタートするということです。自分の考えでしっかりと選べば、長くお付き合いする基盤にもなるので、楽器を早く手にしたい。。。という気持ちを抑えて、まずは、楽器屋さん選びに勤しむのが、長い目で見れば、良い楽器を手にする第一歩と言えると思いますね。
by violink | 2006-10-16 20:31 | Instruments

楽器の支え方について

バイオリンの持ち方というのは、左手の動きやすさだけでなく楽器の鳴り方にも直結するので、とても重要なトピックです。それでいて、一朝一夕に変えることができないものなので、長い目でみて試行錯誤をする必要がありますね。

楽器を支える、という視点から見ると、顎のところでがっちりと支えることがベストのように思いがちですが、そのためにはよほど上手くやらないと、相当な力で楽器を挟むことが必要になったり、肩を上げて裏板を支える必要が出てきたりします。その分、左手の掌にかかる力は減るので、ポジション移動などはスムーズに行く面もありますが、顎や肩に力が入った状態では、長時間演奏するのは苦痛ですし、ましてや長期間というスパンでみると、身体にいろいろな不具合が起こってくる可能性もあります。

また、裏板に肩が密着すると、楽器の鳴り方にも影響がありますね。肩当てが必要になる場合は、肩当てを付けること自体が、楽器の鳴り方に影響する面も当然あります。

では、ほかに楽器の支え方があるのかと言えば、それはあって、左手も楽器を支えることに関与させる方法ですね。顎・肩の部分と左手(の親指と人差し指の付け根)との2点で楽器を支えるようにするようなイメージです。この支え方では、楽器の重さが2点に分散されるので、顎・肩の部分の支えが軽減されますね。その代わり、左手への負担が若干出てきます。

左手の支えは、ポジション移動の妨げになる可能性があるのですが、これは、楽器の重さを顎・肩だけで支えていたときのような移動の仕方はできない、ということであり、左手で支えた場合でも、ポジション移動を行うやり方はあるのです。ただし、左手の親指の動きが相当違ってくるので、慣れには時間が必要ですね。

僕自身、左手を関与させるようにしてから数年が経ちますが、この支え方に慣れると、肩当てを使って楽器を支えることにむしろ違和感を感じています。

とまあ、肩当なし、左手活用の支え方をお勧めするような書き方になってしまいましたが、どちらかと言えば、楽器を支えるのに左手を活用するやり方はマイナーなので、多少、大げさに書いてみました。要は、その人にとって弾きやすいかどうかですし、骨格その他個人差がありますので、なかなか一般論として言い切ることは難しいと思います。
by violink | 2006-10-12 06:27 | Relaxation

楽器の鳴りを保つためのチェックポイント

バイオリンを弾く人の誰もが気にすること、、、それは、自分の楽器がよく鳴っているのかどうかですよね。ですから、演奏会当日のステリハなどで、「バイオリンがよく聞こえない」とか言われると、多かれ少なかれショックを受けますし、バイオリンを買い替えて自分なりに馴染んできたと思われる頃に「前の楽器の方が鳴っていたねえ」などと言われると、食事がのどを通らなくなるほど落ち込んだりします。

確かに、調整がきちんとなされた楽器であれば、その楽器の現在の状態がベストで、その状態で鳴らないものは、どう頑張っても鳴らないということもあるのでしょうが、大抵の場合、自分の持っている楽器のポテンシャルをまだまだ使い残しているのが現状ではないでしょうか。

楽器を弾くときには、まず、弾き出しをきちんと(=雑音が極力少なく、楽音を極力多く)できることが大切ですが、その上で、弾き出した音をどのようにキープするか、ということが出てきます。弾き出した音の、弾き出した瞬間の輝かしい(?)響きを、できるだけ長く減衰させずにキープできることが理想なのですが、弓の元と先とで、右手での弓の重さの感じ方が変わってくるなど、条件が変わるために、一様な音を弾き伸ばすことは、ことのほか難しいものです。

そういう中で、上手くこれをやるためには、やはりイメージの切替えが役に立つと思います。弓を寝かせない、弓を速く動かす、弓が震えないようにする、という当たり前の発想からしばし離れて、弓を通じて弦に乗せる重みと弦から弓への反発力を感じる、というか、その重みと反発力とが上手くバランスする状態を保つように弾くことが大切なのだと思いますね。
by violink | 2006-10-10 18:40 | Sound

音色の幅を広げるための予備練習

音色は何で決まるでしょうか? 音程の明るさ暗さという左手の要素もありますが、これ以外は、全てボウイングですね。駒からの距離、弓の速さ、弓の乗せる重さの3点セットの組合せ次第と言えるでしょう。

そこで、この3点セットが自在にコントロールできるようになれば、それなりに多様な音色が楽しめるようになるのですが、その練習をするコツは、一番コントロールしにくいものを動かしてやり、それ以外の2つの要素をこれに合わせてやるという方法だと思います。

この3点の中では、駒からの距離のコントロールが一番難しいと思います。自分が弾いているところをビデオに撮ってみると、同じ場所を弾いているか、余り関係なくいろいろな場所を泳いでいるか、ということが圧倒的に多いと思います。

ここはピアノだから指板寄りとか、フォルテだから駒寄りとか、クレッシェンドだから指板寄りから徐々に駒寄りに、というようにはなかなか上手く行っていないはずです。そこで、まず、駒寄りを弾く、とか、指板寄りを弾く、と決めて、それを前提として、弓の速さなり重さなりの良い組合せを探っていくということです。

ところで、この練習を丁寧にやっていくと、指板寄りで弾いた時の楽器の反応が良くなってくるので、ピアノとかピアニッシモで弾くときに、真横に弾き出すだけで音がきちんと立つ、ということが実感できると思います。予期せぬ「一石二鳥」といったところでしょうか。

音を立ち上げるための弾き方は、ともすればアクセント的なものを付けがちですが、この「一石二鳥」によって、特にピアノの発音が磨かれると思います。本来は、アクセント的なものを付けるのは、そういう効果が欲しいときだけですので、ピアノのニュアンスでありながらきちんと聞こえてくる音の立たせ方が習得できると、それらしいサウンドが実現できると思います。
by violink | 2006-10-09 19:03 | Sound

弦楽器独特のフィンガリングの感覚

みなさん、ご無沙汰しています。ずいぶん間が空いてしまいました。。。

最近、人前でクライスラーの「愛の喜び」を弾く機会があり、誰もが難しいと感じるであろう、重音が続くところの練習をしながら気が付いたことがあります。

あそこは長3度の重音を半音ずらす形ですが、この音程を正確に取ることは、一見、とても難しいことのように思えます。もちろん難しいのですが、発想を転換することで、随分やりやすくなるんですね。

いろいろなフィンガリングがあるとは思いますが、僕が使ったのは、CA-HGis-CA を 13-13-24とするものです。これを真面目にやろうとすれば、13の半音ずらしを精緻にやることにまず気が向きます。が、これは結構至難の業と言えます。しかも、HGisが正しい音程で取れたとしても、次のCAを24で正しく取るためには、多少、13をずらしてやらないと半音が広くなり過ぎる場合があるんですね。

このような速いところで、2つもチェックポイントを作ってしまうと、およそ気持ちが回りきれず、結果として疎かな部分が出来てしまいます。そして、疎かになるのは、24でとるCAであります。この直後に休符があることもあり、このCAの音程で失敗すると、いやでも目立ってしまいますね。

そこで。。。発想を転換してみます。最初の13-13のずらしでは、後の方の音程をことさら気にしないようにするんですね。HGisの音程への神経の使い方を少しだけ弛めてみます。言い換えると、13-**-24でとるCA-**CAに集中するようにします。これはさすがに同じ音程ですから、同じ音程でとれないと困りますね。この2つのCAがきちんと正しく弾けるように、気持ちを集中して練習します。

これが上手くできると、その間にあるHGisは、かなりの精度で許容範囲の音程になると思います。細かいことを言えば、CAとHGisとで弦の押さえ方(というか、押さえる強さ)が、CAの方が若干強めなのですが、これも練習をしている中で自然にできると思います。3つの重音のすべてに神経を使う場合よりも、気持ちの上でも相当楽になると思います。

これはほんの一例なのですが、要は、発想を転換してみると、同じ曲の同じ場所が全く違ったイメージで捉えられて、練習も楽になることがあるんですね。
by violink | 2006-10-03 22:21 | Fingering